Crónica del Festival de Sitges: Día 10 y final

FINAL DEL FESTIVAL. HOLLY MOTORS ES LA GRAN TRIUNFADORA. EN LA ÚLTIMA JORNADA: LOOPER ES BUENA CIENCIA-FICCIÓN QUE NO CIERRA BIEN SUS PIEZAS. THE THIEVES ES UNA TVMOVIE. OUTRAGE BEYOND NO ES EXACTAMENTE IGUAL QUE LA PRIMERA, PERO ES BUEN CINE DE YAKUZAS. BEASTS OF THE SOUTHERN WILD ME PARECE MAL CINE PARA PIJOS, Y RESNAIS SIGUE TOCANDO EL CIELO CON VOUS N'AVEZ ENCORE RIEN VU.

Looper (Rian Johnson) 2012

Asesinos a sueldo que ejecutan a sus víctimas enviadas

del futuro preparadas para que las maten.

Un principio apasionante, 50 minutos iniciales que construyen una estructura y unas posibilidades narrativas que hacen salivar. La sombra de Philip K. Dick acaba de dar el toque perfecto, hay una complejidad moral y existencial en el sentido de la ciencia ficción, los viajes en el tiempo recuerdan más a Blade Runner que a Regreso el Futuro y preparamos nuestra capacidad de lectura al máximo para ver como se ordenarán las piezas del puzzle. Pero como pasaba en Brick (anterior trabajo de Rian Johnson) lo genial se dispersa en una elección de guión que se desvía a lo íntimo y a lo emocional. No digo que no me guste lo íntimo y lo emocional, pero en este caso bajaron mis expectativas a mínimos. Desde el momento que se muestran todas las piezas vi con claridad cuales eran los secretos a revelar (y no es porque sea muy listo), y entre conversación y conversación me hacía falta algo de ciencia ficción, en el tercer acto Johnson vuelve a cargar algo las tintas pero en una línea completamente distinta, para mí algo insatisfactoria, y una resolución que opta por el camino fácil. Pero bueno, es una película que respira personalidad y se aleja del cine chatarra que nos tiene acostumbrado Hollywood. Muy recomendable, pero desde la exigencia dejará algo insatisfecho.

The Thieves (Choi Dong-hun) 2012

El reclamo de taquilla, su reparto.

TvMovie de alto vuelos. Como mucho entretenida copia del cine de robos hollywoodiense, un Ocean's Eleven con una construcción de personajes y diálogos que es más ridícula que mediocre. Mucho dinero para rodar las secuencias "espectáculo" de robos con un planteamiento panasiático que recoge actores de todos los países posibles, Japón, China, Corea... (evidentemente una jugada de marketing). Aburrida desde la secuencia uno cuando vemos que el hit de taquilla coreano del año no va a darnos la misma calidad que una producción digna yankie. Poco que decir, pasable pero mala, perfecta para descansar los ojos durante el festival en medio de sus excesivos 135 minutos y despertar en medio de una pirueta con la cámara.

Outrage Beyond (Takeshi Kitano) 2012

"¡Yo no te falto al respeto, gilipollas!" (Imaginar con griterío nipón).

Si en la primera Outrage (a secas) Kitano daba el valor de film concluso a su retorno al cine de yakuzas, en este segunda parte, Outrage Beyond, hay una voluntad por transformar el concepto de films independientes en un serial. Uno no puede olvidar la pentalogía yakuza de Fukasaku, Batallas sin Honor ni Humanidad, y siente que Kitano, en su versión más melvilliana (de Jean-Pierre Melville) quiera darse el lujo de hacer su propia serie de matanzas y venganzas yakuza. En la mayoría de seriales sobre mafias, esas grandes y largas películas río, el sentido total de la obra es el de explicar las evoluciones generacionales dentro de la historia. Kitano deja de lado ese sentido y se dedica en cuerpo y alma a lo diáfano. Outrage es el juguete de Kitano y el goce de sus espectadores. Literalmente la propuesta se ha liberado de todas sus ataduras artísticas de la primera parte, igual sucede en la narración, lo diáfano (insisto) excluye a la absolutez de la perfección para que entre lo libre y ligero. De una planificación hermética en la primera pasamos ahora, en la segunda, a una cámara sobre trípode que busca y reencuadra varios planos en cada situación. Pensaréis que es una diferencia mínima pero son en estos pequeños detalles donde vemos el carácter de la obra y los deseos y voluntades de su director. Muy divertida y muy Kitano, ¿qué más podemos pedir? Que haga la tercera, la cuarta y la quinta, y si le apetece la sexta que no estará de más.

Beasts of the Southern Wild (Benh Zeitlin) 2012

Del chabolismo a la realidad. El valor de la ficción.

Vayamos haciendo apologías...

Con todos mis respetos Sundance y Cannes desvarían, cosa que muchos ya sabíamos. Se habla de esta película como una de las grandes del año, incluso el (excesivo) entusiasta Ángel Sala (director del festival de Sitges) la presentaba como una película que te hace querer más el cine y verlo de una forma nueva. Ángel Sala también desvaría, con mis respetos nuevamente. Una película que es una postura, desde la elección de la estética del celuloide como si fueran los años setenta, hasta esa voz sensiblera y épica de la "sorpresiva" niña protagonista. Está tan mal dirigida y escrita que se sirve de una música épica en los momentos de cada discurso para producir alguna emoción. La relación padre e hija es simple y evoluciona en mínimos, y la apología del mundo "sureño" australiano se apunta al carro de la obscenidad de la pobreza. El gran problema que le encuentro a Beasts of the Southern Wild, es la épica que se vende de los salvaje, pero ¿dónde está lo salvaje en la película?, ¿el alcoholismo es salvaje? ¿comer pollos en barbacoas es salvaje? ¿Vivir sobre lanchas motoras enchaboladas es salvaje? Nada me interesa ni me emociona en una película que quiere ser por parecer, y que se pone medallas con un discurso que adorarán todos los progres. Confunden la esencia de la vida con el chabolismo. Si fueran gitanos rumanos en las afueras de París otro gallo cantaría. Me gustaría ver al jurado de Cierta Mirada de Cannes viviendo en el "Southern Wild", y si no les gusta no os preocupéis, que les ponemos la misma música épica y así sí que será emocionante.

Vous N'Avez Encore Rien Vu (Alain Resnais) 2012

Orfeo sin mirar a Eurídice a la cara.

Llamadme pedante, snob, o lo que os apetezca, pero que placer ver cine que comprende la imagen, el valor de la palabra escrita y pronunciada, el sentido del movimiento de cámara, el actor y su forma intransferible de ser... que placer es ver el cine de Alain Resnais. Adaptación del texto de Eurídice de Jean Anouilh como último deseo de un director de teatro que ha fallecido. Sus actrices y actores, reunidos por la voluntad de su testamento (actores y actrices habituales de Resnais) tienen que juzgar un nuevo montaje de Eurídice que ellos ya representaron en diversas ocasiones en el pasado. Un fantástico juego, porque el cine de Resnais es puro juego, entre el actor y el personaje, el fui y el soy, la cámara y el espacio fílmico. El mito de Eurídice y Orfeo llevado más allá de la representación. Es imposible mirar a la cara del pasado, nos abocamos al vacío, como hacen estos actores que no permiten un nuevo montaje, se ven obligados a reinterpretar sus personajes una vez más como quien viaja al Hades intentando rescatar su primer momento en escena con las palabras de Anouilh. Resnais tiene 90 años, y sería impensable entender su juventud sin la experiencia que lleva sobre su mirada y su técnica. Todo es delicioso, desde la llegada a la mansión con homenaje a Piccolli incluido hasta el clímax dramático de la representación teatral. No hay que buscarle excusas, cuando el cine es algo tan grande (aunque sea pequeño) simplemente le llamamos cine, o en este caso, simplemente le llamamos Resnais.

Hasta aquí la crónica del festival de Sitges. Espero que hayáis disfrutado de este seguimiento tanto como yo he disfrutado escribiéndolo. Diez días intensos, agotadores y estimulantes. Una oferta cinematográfica basta y extensa que muestra con bastante perspectiva el panorama actual del cine fantástico y de autor. Una de las citas para cinéfilos más completas del estado Español y que no se ve resentida por los recortes. Sus ansias por ser un certamen inabarcable siguen siendo presentes, una sección oficial de 32 películas, más numerosas secciones paralelas que descolocan cualquier calendario personal, en total cientos de películas que dejan al azar y al criterio personal hacer un festival a medida de cada uno. Cine insulso, cine irritante, y varias joyas es el cócktel que debería ser toda muestra cinematográfica y Sitges aprueba con una muy buena nota. Para cerrar haré la lista de las películas que más me han gustado (sin importar el orden). Nos vemos en el próximo artículo de nuevo con el Doctor Basura normalizado.

Top Film Doctor Basura:

- Crazy & Thief (Cory McAbee)
- Mekong Hotel (Apichatpong Weerasethakul)
- Vous N'Avez Encore Rien Vu (Alain Resnais)
- Wolf Children (Mamoru Hosada)
- Berberian Sound Studio (Peter Strickland)
- For Love's Sake (Takashi Miike)
- Method to the Madness of Jerry Lewis (Gregg Barson)

Y también a tener en cuenta:

- The Lords Of Salem (Rob Zombie)
- Safety Not Guaranteed (Colin Trevorrow)
- La Noche de Enfrente (Raúl Ruiz)
- Caterpillar (Koji Wakamatsu)

Crónica del Festival de Sitges: Día 09

ESTO SE ESTÁ ACABANDO. EN LA PENÚLTIMA JORNADA DEL FESTIVAL HOTEL TRANSYLVANIA ES UNA GRAN DECEPCIÓN. THE ABC'S OF DEATH PARECE UN CONJUNTO DE CORTOS DE ESTUDIANTES. BUEN CINE EN SEVEN PSYCHOPATHS. Y GUY MADDIN AGOTA CON KEYHOLE.

Hotel Transylvania (Gendy Tartarkovsky) 2012

Con todas sus posibilidades centrar la trama de la historia en

el proteccionismo de un padre sobre su hija es una lástima.

Es doloroso ver Hotel Transylvania si uno conoce en profundidad el trabajo de uno de los autores más importantes del cine de animación contemporáneo, Gendy Tartarkovsky. Es sabido que el proyecto no es original suyo, y que Tartarkovsky fue escogido para rescatar la película en mitad de la producción. Uno nota piezas y elementos de Tartarkovsky, el diseño de personajes, la animación a lo Tex Avery y Chuck Jones, el ritmo de la narración, el personaje principal del conde Drácula... pero, espero pensar, que la mayoría de decisiones del guión no son suyas y venían implantadas por los productores. Una historia que produce vergüenza ajena en una de las decepciones del año. Me parece lamentable la copia doblada que se ha proyectado en el festival de Sitges, ni una de las voces llegaba a un standard de calidad mínimo aceptable, eso hace que aún cueste más ver y tratar de disfrutar la película.

The ABC's Of Death (VV.AA.) 2012

Toilet, el mejor cortometraje con diferencia.

Los retos son para asumirlos, no para pasar el tiempo. Nunca he disfrutado de las pachangas de barrio en un partido de fútbol o baloncesto donde nadie se lo toma enserio, si se juega se juega. The ABC's Of Death es una pachanga cinematográfica y muy pocos directores se enfrentan al reto de hacer un buen cortometraje de terror en cuatro minutos. La calidad fílmica en la mayoría de casos es de un nivel bajísimo, destacaría la locura llena de pedos de Noboru Iguchi (muy divertido y demente), el fragmento Dogfight por ser la mejor construcción narrativa, y el mejor de todos ellos, el del animador de plastelina Lee Hardcastle (aquí podéis verlo) sobre un water asesino. El cortometraje de Vigalondo es más que correcto, pero me cansan sus bromas y poco empatizo con su persona, no sería justo en calificar su pieza puesto mi criterio se ve afectado por mi simpatía hacia él. Un gran cartel lleno de nombres representativos del terror contemporáneo, pero al final poco disfrute y poco talento.

Seven Psychopaths (Martin McDonagh) 2012

La presencia de Tom Waits, una alegría añadida.

Interesante comedia del director de Escondidos en Brujas. Recuerda a clásicos de culto moderno como Amor a Quemarropa, Sexy Beast o Kiss Kiss Bang Bang. Al igual que sucedía en Escondidos en Brujas, el guión tiene altos y bajos, momentos brillantes que no transitan bien con secuencias de relleno que sirven para completar la película. Pero es un film inteligente, un reparto de lujo y algunas escenas memorables. Pesa demasiado la influencia de los hermanos Coen y su forma de tratar el cine negro, incluso en la música, del mismo Carter Burwell (compositor de los Coen) no varía en absoluto de otros temas musicales anteriores, como Barton Fink o Fargo. No importa, cine muy disfrutable que le da al espectador una buena dosis de calidad. Estaremos a la espera que Martin McDonagh se liberé de sus dioses y mitos y en próximas películas emancipe su creatividad y demuestre de lo que es capaz.

Keyhole (Guy Maddin) 2011

Poco hay que ver a través de la cerradura del film de Maddin.

Aparecen problemas en las filmografías de ciertos directores cuando el mayor peso de su obra recae en el ingenio formal. Directores que utilizan un estilo muy marcado para dejar una huella y que dicha huella sea parte de la intencionalidad de su cine. Pienso en Terry Gilliam, por ejemplo, Tim Burton, y en efecto Guy Maddin. Otros cineastas como Lynch y Cronenberg han sabido evolucionar y buscan nuevas formas para desarrollar sus mundos. Keyhole es la constatación de un agotamiento, un cine que nos ilusionó a muchos y que a medida que surgían nuevas obras fue perdiendo fuerza en pos de la repetición. Es como si Maddin, en una desazón por no conseguir encontrar nuevas vías, prefiere dar la espalda a su público y encriptar sus códigos, no le interesa compartir emociones si a cambio puede ejercer su estilo como una máxima. Keyhole es agotadora, hueca, al servicio de un surrealismo de manual, ni el montaje (uno de los fuertes de Maddin) se escapa del sinsentido. Sería interesante ver a cineastas como Burton, Gilliam o Maddin haciendo un drama convencional, una comedia sencilla. ¿De qué serían capaces? Apuesto a que más de uno nos sorprendería con una bocanada de aire fresco.

Mañana última jornada del festival. Looper, lo nuevo de Bruce Willis. La coreana The Thieves. La esperada segunda parte de Outrage, Outrage Beyond. Una de las favoritas del pasado Sundance, Beasts of the Southern Wild y lo último de Alain Resnais. Día muy completo para cerrar el festival.

Crónica del Festival de Sitges: Día 08

POR FIN EL CINE BRILLA EN SITGES. APICHATPONG WEERASETHAKUL SIGUE ENAMORÁNDONOS CON MEKONG HOTEL. WOLF CHILDREN DE MAMORU HOSADA, UNA DE LAS MEJORES PELÍCULAS DEL AÑO, Y SÍ, ES DE ANIMACIÓN. A FANTASTIC FEAR OF EVERYTHING ABURRE POR SU FALTA DE CINE. Y LA GRAN SORPRESA, ENORME PELÍCULA HOMENAJEANDO AL GIALLO ITALIANO, BERBERIAN SOUND STUDIO.

Mekong Hotel (Apichatpong Weerasethakul) 2012

Todo respira delicadeza y sinceridad

en el cine de Weerasethakul.

Alain Cavalier dice que no importa lo que filmes, si tienes talento real se verá en tus imagines. Apichatpong Weerasethakul puede hacer mejores o peores películas, pero su cine es poderoso y sus imágenes y sonidos únicos. Este mediometraje de 55 minutos, sin ser nada sorprendente, es una delicia, no hay ni un instante que no evoque el estilo del director taiwanés, y el poema que pinta entre luces, melodías, vacíos y pensamientos embriaga y deja encantado. El río Mekong como fondo de cada plano muestra el fluir de una cultura, de un pasado, un presente... un sentimiento compartido. Se repiten motivos del director, como la relación cuerpo/alma y el desdoblamiento de estos, la figura del relato, la historia pasada en voz de sus protagonistas... la mezcla del making of del propio rodaje con la narración interpretada continúa creando fórmulas para hacer aún más invisible las fronteras entre actores, personajes, público y director. Poco a poco las capas se superponen, se complementan y hacemos más nuestro el discurso de Weerasethakul. Parece mentira lo perplejos que nos sentíamos en sus primeros films, y como con el paso del tiempo ver su cine es un acto de intimidad, forma parte de una manera de entender la vida y el cine que nos realiza. Un acto maravilloso.

The Wolf Children Ame and Yuki (Mamoru Hosada) 2012

Sopresa esperada, Hosada se está convirtiendo

en un peso pesado del anime.

No tengo reparos en decir que "Wolf Children" (título abreviado con que se hace mención al último film de Hosada) es una de las mejores películas que se ha visto hasta el momento en la sección oficial. Mamoru Hosada se supera en cada película, y trabaja los vínculos entre los personajes con absoluto cariño y dedicación. Un film muy maduro que no pierde la inocencia, aunque es la madurez la que rige la mirada sobre todo el relato. Se ha comparado con Miyazaki, me cuesta encontrar la relación. Miyazaki deriva sus historias a grandes temas y se evade en cuanto puede de la realidad, en cambio Hosada se ampara en el naturalismo y el costumbrismo (con toques mágicos) para hablar del tiempo, y del cambio de las personas cuando crecen. Lo tradicional es una meta en la filosofía de vida de Hosada, y si en Summer Wars (su anterior film) quizá era algo forzado ese mundo de tradición confrontado con lo contemporáneo, en Wolf Children la excusa narrativa es perfecta. Con mucha inteligencia se desvela el secreto de la condición de hombres lobos de algunos de los personajes y por eso le quitamos el valor sorpresivo, y vemos a esos cachorros/niños con total normalidad. La emoción llena el pecho a medida que se cierra la historia y nos enternece reconocer nuestro paso del tiempo en las decisiones de dos personas que tienen la libertad para escoger sus vidas. Una de las mejores películas del año, sin dudarlo.

A Fantastic Fear Of Everything (Crispian Mills) 2012

Desde las primeras imágenes uno siente que algo no fluye.

Me imagino que debía ser divertidísima esta película sobre el guión, tratando de ser original y homenajeando el cine inglés de terror bizarro de los sesenta y setenta, pero en la pantalla cuesta encontrar, o reconocer, las motivaciones que hicieron empujar esta muy pequeña (de aspiraciones) película de género. Ni Simon Pegg, fantástico actor de comedia, puede sacar brillo a su interpretación. Parece una premisa de cortometraje estirada hasta la saciedad. Nada funciona y acaba molestando que lo único que nos saque una sonrisa sean sus montajes musicales. Hay que decir que cuando he visto al director de la película subir al escenario con gafas de sol y un "vacile"considerable, los temores nublaban las expectativas. Muy mal van las cosas cuando uno no ha demostrado nada, sino todo lo contrario, y te mueves y hablas como una estrella del rock que acaba de salir de un plan de desintoxicación.

Berberian Sound Studio (Peter Strickland) 2012

¿Quién es la víctima? ¿Dónde está el crimen? Solo es un grito.

Si fuese jurado no dudaría en premiar como mejor película a Berberian Sound Studio. Lo tiene todo para ser ganadora y a la vez todo en contra para que no le hagan mucho caso. Es una película estupenda, fascinante, de las que una vez vista no la sueltas, o no te suelta. Su handicap ser estricta en sus planteamientos, un ritmo lento que cuece a fuego lento las obsesiones que contienen sus sonidos (principalmente). Un sonidista inglés viaja a Italia para sonorizar un giallo (cine de terror italiano de los años setenta como el que hacía Dario Argento entre otros). El técnico británico desconoce esta nueva forma de contar historias, y junto a él, los espectadores, descubriremos lo perturbador que hay en ellas a través del sonido. Nunca vemos las imágenes que sonorizan, solo los sonidos y sus diseños, los procesos, y como su mundo se vuelve giallo también. Recuerdos de Arrebato de Zulueta, Berberian Sound Studio es cine de culto, y culto del bueno. Cualquier amante del cine debería verla y sucumbir a sus ideas. Por descontado, cualquier técnico de sonido tiene cita obligatoria en cuanto tenga ocasión. Sigo con la boca abierta y una sonrisa en la cara, no todos los días se descubre una cinta como esta.

Por fin mañana podremos ver la opera prima de Gendy Tartarkovsky (creador de El laboratorio de Dexter, Samurai Jack y Symbionic Titan), la esperada Hotel Transylvania. Seven Psychopaths, y el film colectivo de terror The ABC's of the death.

Crónica del Festival de Sitges: Día 07

THE TALL MAN, MEDIOCRE PERO CON IDEAS. THE WEIGHT ES INSUFRIBLE. WRONG Y LA IMAGEN PUBLICITARIA COMO GÉNERO CINEMATOGRÁFICO, Y CATERPILLAR DE WAKAMATSU ES UNO DE LOS FILMS MÁS SÓLIDOS DEL CERTAMEN.

The Tall Man (Pascal Laugier) 2012

¿Podría Jessica Biel tener una interpretación peor? Tengo mis dudas.

Pascal Laugier llega al mercado norteamericano domesticado, pero no del todo. The Tall Man es una película muy mediocre, con un guión mal escrito y una dirección pésima, ni hace falta mencionar la dirección de arte y la fotografía. Podéis haceros a la idea que no merece mucho la pena ver el film. Pero con todo ello hay una marca personal que se arrastra desde Martyrs (su anterior película). Por un lado el desmenuzar una trama a través de todos los puntos de vista posibles siguiendo una cronología lineal. Por otro la moralina fascista, tan presente en Martyrs, y que en The Tall Man aún es mucho más valiente por dirigirse al mercado a donde está destinada. Por eso, aunque sea una película de muy baja calidad, no deja de tener elementos de interés que perfilan la figura de Laugier como cineasta pensante del género de terror.

The Weight (Jeon Kyu-hwan) 2012

Un jorobado y un colibrí, parece poético...

no lo es, es aburrido y manido.

Hay veces que me pregunto, y sé que es una falta de respeto, si algunos directores tienen algún problema personal y hacen el cine que hacen por ese motivo. Esa sería la pregunta retórica bienintencionada. Si no es esa pregunta viene el siguiente pensamiento, el tener la absoluta certeza que hay gente inepta que busca excusas surrealistas para aparentar lo contrario. The Weight no me ha irritado como avanzaba el festival de Sitges, ni me ha impactado o me ha sacado de mis casillas. Es aburrida, y mucho, pretenciosa, mucho más, y con falsa emotividad. He de confesar que empiezo a estar cansado de los problemas morales de los coreanos en el cine. Le dan vueltas y vueltas a lo mismo y da la sensación que no son capaces de hacer otras cosas. Eso o el único cine que llega a los festivales internacionales tiene el mismo corte. Si sexo con cadáveres, mutilaciones, autistas sociales, el binomio violencia-belleza... estamos inmunes, nos han desbordado una y otra vez con todas sus neuras. Un film prescindible y a olvidar.

Wrong (Quentin Dupieux) 2012

La imagen publicitaria como standard narrativo.

Vuelve el director de Rubber, película llena de ideas pero que el formato de largometraje excedía las posibilidades de la premisa. Algo parecido le sucede a Wrong. Es original, hasta cierto punto, y hasta cierto punto también sus formas son frescas e interesantes. Pero el humor sin humor de Dupieux empieza a cansar muy pronto, esa estética y narrativa de publicista moderno es a fin de cuentas un elogio al vacío, y los niveles de brillantez nunca llegan a la cuota necesaria para disfrutar una película que no deja de ser nada. Un videoclip sin música, un spot sin producto. Continente sin contenido que colmará el hambre de "originalidad" a un público que esté a la última. Tiene gags divertidos, porque toda la película son gags, el resto es silencio y tiempo entre los gags, y no todos ellos funcionan.

Caterpillar (Koji Wakamatsu) 2010

Con que suavidad trabaja Wakamatsu la intensidad del drama.

Una de las mejores propuestas del festival. Wakamatsu combina oficio y juventud -a sus 75 años- y parece que nada haya cambiado desde sus primeras películas. Un equilibrio perfecto entre brutalidad y delicadeza en esta dura historia para llegar al sentimiento de una sociedad japonesa postsegunda guerra mundial. El tono, el uso del sexo, el plano contra plano... Wakamatsu sabe contar historias y aquello que viaja por debajo de ellas. Es fascinante como los dos protagonistas nunca convergen. Dos miradas en el mismo conflicto que no llegan nunca a coincidir aunque pasen su existencia y su destino juntos. Es algo exagerado el uso panfletista en algunos momentos, pero eso no desmerece el foco real de la película, el de hacer presente un estado de ánimo, una disfunción del interior de una sociedad que sigue afectando hoy en día a su cultura y su gente. No es un film enorme, pero es cine de gran talento.

Mañana uno de los días más esperados. Mekong Hotel de Apichatpong Weerasethakul, Wolf Children de Mamuro Hosada y Berberian Sound Studio homenajeando al giallo.

Crónica del Festival de Sitges: Día 06

INTERESANTE Y OBTUSO CRONENBERG EN COSMOPOLIS, POCA COSA A DESTACAR EN V/H/S, Y DELICIAS PARA EL PÚBLICO CON THE CABIN IN THE WOODS.

Cosmopolis (David Cronenberg) 2012

Próstatas, sexo y economía.Un momento

muy Cronenberg en Cosmopolis.

No creo que sea una película fácil de juzgar Cosmopolis, para eso harían falta algunas pistas donde agarrarse para formar una opinión. No creo que un director como Cronenberg se haya relajado a la hora de dirigir esta película, pero si es cierto que la ausencia de puesta en escena es muy presente, Cronenberg nos niega la intencionalidad. Su film es aséptico, lleno de verborrea, drama y/o conflicto inexistentes, la ironía (aunque presente) apagada... un sistema en declive a través de los ojos de un broker causante del éxtasis y de la fallida consecuente. Pero Cronenberg parece más interesado en analizar la parte pasiva, la plebeya, la clase media. En medio de todos los discursos intelectofilosóficos permanece un estado de ánimo, un ánimo que es nada o la ausencia de ánimo, esa ciudad silente en constante ebullición pero que se siente como un mundo espectral. Insisto en no querer juzgar la película, necesitaría algo más de reposo, pero de un director que prácticamente no ha fallado nunca no puedo no prestarle respeto a una película que me pone trabas. El cine de Cronenberg es consecuente en su trayectoria. Tras Historia de Violencia era normal que viniese Promesas del Este, y Un Método Peligroso es muy coherente en los anhelos de su nuevo cine. Cosmopolis es un paso más allá, cada vez más cercano a Bresson (sin perder el ADN de Cronenberg), pero que busca en las mínimas expresiones llegar al corazón de lo oculto.

V/H/S (VV.AA.) 2012

En pocas ocasiones el terror brilla en V/H/S.

Pero el primer cortometraje es muy bueno.

Película que se apunta al carro de las filmaciones caseras (desde el punto de vista subjetivo) para hacer terror. Organizada a través de varias piezas de distintos directores, nada a destacar a excepción del primer y el último cortometraje que son con diferencia los mejores y su vez originales y entretenidos. El resto resoplidos y los ojos cansados del día cerrándose a la espera que el próximo cortometraje nos dé algo de alegría. Pero nada, tópicos y falta de imaginación, todo se hace de rogar ofreciendo un final sorpresivo, pero ese giro original no llega en ningún cortometraje y la decepción es creciente. Película que le sienta bien el público de festival, y mucho más el de Sitges, benévolo con el género y hambriento de sangre y muertes originales y brutas. Trataría de comentar algo más pero no creo que su contenido haya tenido mucha más reflexión.

The Cabin In The Woods (Drew Goddard) 2011

No leáis nada de la historia, no miréis el trailer. Simplemente miradla.

Un producto diseñado para un público muy concreto y que acierta de lleno. The Cabin In The Woods tiene como objetivo complacer al espectador medio "freak" y lo logra. Se basa en esa máxima de Robert McKee (gurú del guión estadounidense): "atrápalos con el final". No importa que la película sea buena o mala, si el final es bueno el público es tuyo. Y no es que el final de The Cabin In the Woods sea bueno, es que es cojonudo -creo que es la expresión correcta-. El misterio del primer acto funciona, correcto, el segundo acto se apunta a las modas y pone el piloto automático, algo insulso y cansino, pero llegados a la última media hora empieza la diversión. Le da la vuelta al género, es autoreferencial, irónico, (muy) bien realizado, buenos efectos, sangre como para ahogarte... cine de terror en mayúsculas con el humor como complemento. La gente la comenta, la recomienda... "sí, pero un poco tópica la parte del medio..." "ya, ¡pero el final es buenísimo!". Pues eso, el final es buenísimo, merece la pena solo por eso.

Mañana The Tall Man, Grabbers, Wrong, Caterpillar de Wakamatsu y la polémica The Weight, a ver si es tan polémica.

Crónica del Festival de Sitges: Día 05

SOY INCAPAZ DE ENTRETERME CON SIGHTSEERS, LLEGA EL FILM MÁS PERSONAL DE ROB ZOMBIE, THE LORDS OF SALEM, AGRADABLE SORPRESA CON SAFETY NOT GUARANTEED, Y UN BUEN DOCUMENTAL, SIDE BY SIDE.

Sightseers (Ben Wheatley) 2012

Puesta de sol marca de la casa Wheatley.

Soy incapaz de disfrutar y reír con Sightseers. Quizá la película anterior de Wheatley, Kill List, influye en mis prejuicios y anticipa mi opinión al film. Kill List es una película postiza que trata de simular uno de las grandes clásicos de culto de cine de terror, The Wicker Man. No veo nada sincero ni necesario en Kill List, y me sucede lo mismo en Sightseers. Aparte me cuesta empatizar con el duo protagonista, dos personas de la peor clase humana sin ningún punto de luz en sus trayectorias, además el humor negro y el estilo de Wheatley me resultan lejanos. Es una opinión muy personal puesto que toda la sala se reía y aplaudía en cada momento. No le encuentro el punto a Sightseers, no sé que me lleva a verla y hacia donde tengo que ir. En cambio reconozco cada elemento y sé cual es su función, como una persona que quiere hacerse la simpática conmigo y noto la falsedad y el interés por parecerlo. Pero no me hagáis caso, es una de las favoritas del festival y probablemente el que esté equivocado sea yo.

The Lords Of Salem (Rob Zombie) 2012

El trío de hermanas toman brillo (u oscuridad)

a medida que avanza el film.

Seguimos en lo mismo. La sala silba y abuchea al final de la película y yo tengo ganas de aplaudir tras la proyección de The Lords Of Salem, hasta la fecha la película más personal de Rob Zombie. El film me ha gustado y mucho, no es perfecta ni una obra maestra, pero es una de las aproximaciones al género de terror más íntimas que ha visto el cine estadounidense. El look setentero está utilizado con elegancia, un casting exacto y una protagonista que carga la película a su espalda. El enfocar el peso sobre las mujeres es una decisión brillante, girando la tortilla tanto al género como a la propia iconografía religiosa. El mismo título The Lords... (Los señores...) hace referencia a un grupo de mujeres. Es la única película que he visto en el festival, dentro de la sección de cine fantástico (a excepción de Holy Motors y Cosmopolis), con la sensibilidad, la capacidad y la puesta en escena de un director tras la cámara. Mientras el resto de propuestas son meras copias, algunas más afortunadas que otras, el film de Zombie es cine, y un cine que busca en el proceso y no en el efecto el motivo de ser. Zombie se reafirma como autor y con un mundo interior particular y con una técnica y una mirada muy capaces para llevarlo a la pantalla.

Safety Not Guaranteed (Colin Trevorrow) 2011

Un trío muy diferente al de Salem. Equilibrado y perfecto.

Grata sorpresa avalada por una gran acogida de la crítica estadounidense. Cine sin pretensiones y con las ideas muy claras. Es un film tan redondo como quiere llegar a ser, y se agradece que su director no pretenda lucir su película más allá de sus posibilidades. Es ese tipo de títulos perfectos para un festival. Ligera, romántica, comedia agradable, un ritmo ágil pero relajado y todo perfectamente dibujado en el esquema, cuando tiene que funcionar la película da en el clavo y el público ríe o aplaude al antojo del director. Da gusto ver cine independiente real, sin las trampas publicitarias de Hollywood que se ha adueñado del concepto independiente para producir proyectos de menor (pero gran) presupuesto. Safety Not Guaranteed tiene muchas cartas de llevarse premio, público, guión, dirección... la demostración, una vez más, que no es la forma ni la factura las que rigen la calidad de la narración.

Side by Side (Christopher Kenneally) 2012

A partir del 2015 Hollywood dejará de distribuir y exhibir

películas en 35mm. Es el final de la proyección única. Cada

copia era independiente, ahora serán clones digitales unas con otras.

Un documental de divulgación para explicar la evolución del cine digital en Hollywood. Personalmente no me ha aportado nada nuevo, pero como film para no iniciados en el tema es perfecto. Las explicaciones son claras, el resumen historicista está hilvanado con cuidado y pasando por los puntos importantes, las entrevistas bien realizadas y añaden las caras y opiniones de los grandes del cine contemporáneo, tanto directores, como directores de fotografía, montadores y efectos especiales. Lo que hace que sea un más que notable documental es como hace entender la relación creativa con lo tecnológico, lo subjetivo con las decisiones. No hay nada absoluto y todo queda abierto al juicio de cada uno. No dudaría en poner este documental en la primera clase de más de una facultad de cine o de audiovisuales. No es nada fácil hacer entender los mecanismos y las motivaciones para apreciar o rechazar el digital en pos del celuloide, Kenneally lo borda.

Mañana Cosmopolis de Cronenberg, The Cabin In The Woods y V/H/S.

Crónica del Festival de Sitges: Día 04

CINE E INFANCIA EN LA CUARTA JORNADA. CRAZY & THIEF CONFIRMA A CORY MCABEE COMO REFERENTE DEL CINE DE BAJO PRESUPUESTO. EL ÉXITO DE LAS APARIENCIAS EN LO IMPOSIBLE DE BAYONA. E.T. SIGUE SIENDO INIGUALABLE, Y PARANORMAN TIENE GRANDES PROPUESTAS PERO LE FALTA ALMA.

Crazy & Thief (Cory McAbee) 2012

No hace falta ser actor para transmitir emociones.

Una película tan pequeña y tan íntima como Crazy & Thief puede ser vista como uno quiera verla. Te puede parecer una nadería, un padre filmando a sus hijos haciendo el indio por la calle, se puede pensar que contiene ideas interesantes... en mi opinión es un perla, muy pequeña, una rareza hecha desde la voluntad de querer hacerla y hacerla tal cual quiere hacerse, sin añadidos, sin sobredimensionar el guión. Dos hermanos, ella de 6 y él de 2, vagabundeando por las calles buscando las estrellas por los rincones de la ciudad. Pocas películas se impregnan de la mirada absurda e imaginativa de un niño, esta película se sostiene en ese principio. La música de la banda de McAbee redondea el cuento (sin cuento) y disfrutamos viendo a niños siendo niños frente a una cámara. Su forma de pensar y transcurrir sus problemas, sus caminares, sus silencios... la relación con el mundo en si y el mundo adulto. Un acto de amor de un padres a sus hijos, el buscar la magia en el gesto, y en la emoción natural sin edulcorar. Un capricho tanto para los que la hicieron -me imagino- como para los que queremos aventurarnos en sus imágenes y sonidos.

Lo Imposible (J. Bayona) 2012

15 minutos espectaculares.

Me quito el sombrero ante los impresionantes 15 minutos de la secuencia del tsunami, son sin duda alguna los minutos más espectaculares rodados nunca en el cine español. Una vez acaban y empieza el drama me vuelvo a poner el sombrero, la gafas, el gorro y todo lo que me haya quitado. El público aclama el logro de Bayona y su equipo, ¡con 30 millones han hecho una película que parece de 100 millones! Pues bravo, de que sirve eso si luego no se puede escribir un diálogo con un mínimo de sentido común. Bayona se apropia de lo peor del cine estadounidense, de lo maniqueo y la manipulación, del drama más simple y bajo. No es capaz en ningún instante de transmitir lo humano de la tragedia, en cambio se ampara en una iconografía y en un estilismo cristiano -su versión más casposa- para bañar de melodramático y humanismo de panfleto todo el metraje. Es lo que más me ha impactado de Lo Imposible, ya no hacemos cine en España copiando las formas estadounidenses, sino que el contenido debe ser idéntico también. La historia real se inspira en una familia española, y Bayona utiliza sus vivencias para hacer una excusa mercantil para otra cultura, y les da exactamente lo que quieren. Me pregunto si Bayona es consciente del sentido de sus imágenes o solo las ha ido copiando de otros directores sin importarle cuales eran sus cometidos. El apartado musical es pésimo y sensiblero. Simplemente me molesta que se copie per se el cine de grandes medios desde España, pero si a eso se le añade el contenido cristiano de peor calaña aún desprecio más el producto en si. Me gustaría saber si la misma película viniera de Hollywood ¿la acogeríamos con los mismos brazos abiertos? Nos pueden las formas y nos olvidamos de lo importante.

Paranorman (Chris Butler y Sam Fell) 2012

El terror en Paranorman no da miedo, pero es género en su esencia.

El film más esperado de stop-motion de la temporada. El apartado técnico, visual, el diseño de producción (arte, personajes, conceptos gráficos) es impresionante. La película para un público infantil probablemente debe ser muy divertida y emocionante, para uno adulto necesitaría algo más. Llego a la conclusión que carece de alma, los personajes y el drama no acaban de tener la vida suficiente para que entremos en su mundo y nos haga vibrar. Pero eso no quita que el contenido de Paranorman es extraordinario. Una propuesta valiente, que rompe decenas de tabúes del cine infantil y lo hace con un desparpajo al descubierto. El uso del terror, la relación vida-muerte, lo macabro, la radiografía social estadounidense... y así podríamos seguir. Una lástima que todo ese éxtasis informativo no llegue codificado a través de las emociones, pero no dudaría en recomendarla y hacer que los más pequeños la vieran, el uso del terror llega al nivel exacto para que un niño lo disfrute pero sin perder su esencia.

No comentaré nada de E.T., no hace falta, es extraordinaria, cine en mayúsculas que te lleva a las alturas tanto por su contenido como por su forma, ambos cogidos de la mano. Cada vez que veo E.T. en una gran sala recuerdo por qué decidí volver a verla.

Mañana seguimos con Rob Zombie y su The Lords Of Salem, Safety Not Guaranteed y el documental Side by Side.

Crónica del Festival de Sitges: Día 03

JERRY LEWIS SALVA EL DÍA. BLOOD-C: THE LAST DARK ES TELEVISIÓN PARA CINE. MANUAL Y OFICIO EN LA HONGKONESA MOTORWAY, Y GRATA SORPRESA EN EL DOCUMENTAL METHOD TO THE MADNESS OF JERRY LEWIS.

Blood-C: The Last Dark (Naoyoshi Shiotani) 2012

Esta imagen es muy interesante, pasan

cosas. En la mayoría de casos no es así.

Extraña, o quizá no, que el Festival de Sitges haya programado este anime (animación japonesa) en la sección oficial a competición. La película concluye la serie de animación Blood-C, y uno podría pensar que al ser el cierre destinado a salas de cine el salto de calidad de lo televisivo a lo cinematográfico sería mayor. Prácticamente la diferencia es nula. Sí que hay una secuencia inicial estupenda y un cierre, aunque en la dinámica surrealista del anime fantastico, más que correcto, pero el resto del film es pura televisión y además de bajo presupuesto. Se alargan las conversaciones hasta el aburrimiento para ahorrar dinero en secuencias con poca animación, el guión en muchos momentos roza lo ridículo y no se diferencia de un episodio más de la serie original. En definitiva, lo que uno entendería como un producto destinado directamente al mercado DVD. Una película para adolescentes nipones con poco grado de exigencia y mucho tiempo libre. Probablemente, como mucha gente hace en las salas de cine en estos días, este tipo de películas ya se diseñan para que puedas mirar el iphone y enviar tweets mientras la película transcurre sobre tu cabeza, una práctica muy común, la sala de Sitges parece a veces una constelación, que hace que el mundo virtual no pare de hervir ni cuando uno debería evadirse del mundo.

Motorway (Cheang Pou-Soi) 2012

Difícil transmitir esta película en un fotograma sin movimiento.

Quien se esperase algo distinto de lo que es Motorway es que nunca ha visto cine hongkonés. Un guión plano donde policias y ladrones tienen la misma importancia narrativa. Producida por el artesano y reconocido Johnny To, la película recoge su fórmula y la deriva a la versión más mainstream posible. Mucho oficio y saber hacer en una película donde los coches son los protagonistas, efectos especiales por ordenador inexistentes, el film es espectáculo real. La sombra de Drive planea sobre algunas decisiones, pero no es más que un truco mercantil para seguir el tirón del éxito de acción del pasado año. Impresiona lo bien filmada que está la acción y ver como los hongkoneses son los únicos capaces de este tipo de productos. Una artesanía con denominación de origen que se mantiene como una de las pocas explotations reales que aún perduran desde los tiempos de su nacimiento.

Method To The Madness Of Jerry Lewis (Gregg Barson) 2011

La evolución y el principio de un cine.

Necesario y bien realizado documental sobre la figura de Jerry Lewis. Aunque para muchos es muy evidente que Jerry Lewis es una figura primordial en la historia del cine, para un gran sector de los espectadores sigue siendo un cómico alocado que hacía muchas muecas. El documental logra hacer comprender, viendo al propio Lewis, el enorme talento de un cómico genial. Se centra exclusivamente en su faceta creadora y transmite a la perfección el deseo de querer conocerlo mejor. Quizá peca de ensalzar en exceso su figura, pero funciona plenamente como equilibrio a la ausencia de trabajos que se le han dedicado. El montaje del trabajo es muy completo, y no se está de enseñar constantemente gags y secuencias del cine de Lewis. Un goce para los sentidos, un gramo más a la cinefilia, y un buen rato para reír con su talento y su cine.

Mañana más. Lo Imposible de Bayona, Crazy and Thief de Cory McAbee y Paranorman que por fin llega a las salas españolas.

Crónica del Festival de Sitges: Día 02

DÍA FLOJO EN SITGES. LA MÁSCARAS DE CARAX PUEDEN CON HOLY MOTORS, A COMPLIANCE LE FALTA PULSO EN LA DIRECCIÓN, Y COSCARELLI ENTRETIENE CON LA MEDIOCRE JOHN DIES AT THE END.

Holy Motors (Leos Carax) 2012

Un momento casi brillante. El casi es porque

el brillante lo asume de antemano Carax.

Antes de empezar mencionar que no soy un gran amante del cine de Carax, que ninguna de sus películas me ha satisfecho plenamente, y que ello puede condicionar mi juicio hacia Holy Motors, a la cual, todo hay que decirlo, la esperaba con ganas y con la ilusión de ver buen cine.

Holy Motors peca de tomarse así misma demasiado enserio. Esa cualidad que a veces tienen los franceses (no solo ellos) de darle una valor profundo, absoluto, sentido a todas las decisiones, incluso aquellas que pretenden aparentar ser todo lo contrario. Ese es el único gran lastre que hace que Holy Motors se quede en interesante y no en una joya. Una película con espíritu gamberro, libre (aunque encerrada en los intelectualismos de siempre) y algunas ideas que apuntan alto. Pero Carax tiene que demostrar que el público entiende que su película es algo más, que las formas y los juegos son por algo, y necesita explicarlos, evidenciarlos, destruyendo cualquier interpretación intuitiva -intuición que deduce el sentido antes de las sobreexplicaciones de Carax-. Lo que podría ser ingenioso se torna arrogante y el poema, encabezado por un (demasiado) teatral Denis Lavant, se cree a si mismo poesía. Cine que es cine que habla del cine porque es el máximo lenguaje para entender el cine. Los juegos pueden a la emoción, y la pretensión, por no decir pedantería, pueden con el juego. Hay que decir que la secuencia inicial, lo mejor de la película, es una bella forma de explicar el cine, y el fragmento, aunque algo excesivo como sucede con todo, del cementerio con Eva Mendes es también fantástico. No es una mala película, ni mucho menos, pero no alcanza a llegar hacia donde se propone.

Compliance (Craig Zobel) 2012

Si esta historia es real solo podría ocurrir en EE.UU.

Si bien el punto de partida y el planteamiento es interesante, las mecánicas del guión y el pulso en la dirección ya son otra cosa muy distinta. Quizá un estadounidense empatice con los personajes y con el drama, pero para mí siento que son demasiado estúpidos (muy estúpidos) para que todos los acontecimientos se desarrollen. El director juega la carta de "basado en hechos reales" y asume que con eso la credulidad sea máxima. Incluso pensando una y otra vez que todo lo que sucede ocurrió de verdad no puedo evitarlo, sigo pensando en la estupidez de todos los personajes. Una llamada de teléfono de un policía desestabiliza la rutina de un restaurante fast food. Acusa a una trabajadora de robar a una cliente y pide a la supervisora que la cachee, que la desnude y que siga buscando donde habrá guardado el dinero hasta llegar a consecuencias inimaginables, todo ello por teléfono y sin que nadie cuestione nada o exija más explicaciones. Un drama que dibuja el nuevo Estado Unidos, o el nuevo mundo, el de la falta de compañerismo, el de la traición y el de todos nos vigilamos y nos delatamos, hacer de la misma clase social una clase en lucha, desconfiada y recelosa. El fondo me parece bien, pero con un buen guión y una dirección más agarrada y menos moralista ayudaría a que pensáramos y vibráramos un poco más.

John Dies At The End (Don Coscarelli) 2012

La imagen más iconográfica del film totalmente desaprovechada.

Don Coscarelli, director de culto de la serie B de terror norteamericana, vuelve a la carga tras Bubba Ho-Tep y lo hace con la melena bien suelta. John Dies At The End es una locura, aunque podría ser más loca, con el único propósito de hacer pasar un buen rato. La película, realmente mal montada, empieza en lo más alto, divertida, ingeniosa, parece que tenemos la versión del mejor Coscarelli desde sus inicios. Pasada la media hora y cuando se desarrolla lo que será la verdadera trama el film se desinfla considerablemente para pasar de la B a la Z en un abrir y cerrar de ojos. No diré que no lo he disfrutado, pero más por voluntad que por contenido. Un film que no ha estrujado sus posibilidades, y a Coscarelli le basta con la versión más fácil de cada idea para construir la película. A ratos un chiste te devuelve el interés, a ratos una subtrama te manda de nuevo a tus pensamientos. Cine para amantes de la caspa, de lo estúpido y de lo artesano, ese cine maravilloso para los adolescente eternos (a tiempo parcial) que nos encanta echarnos unas risas con el cine que nos hizo querer más el género y sus versiones más bajas. Se agradece la creatividad de Coscarelli, pero esperemos que en próximas ocasiones intente pulir algo más su producto.

Mañana volvemos con la nueva producción japonesa de animación de los estudios I.G., una "copia" china de Drive y el documental dedicado a la figura de Jerry Lewis. Cómo saben en Sitges que el fin de semana se llena sí o sí y no hace falta proyectar nada de interés general para satisfacer un público que pagará la entrada sin ver de que va la película. Esperemos que la baja expectativa de mañana sea motivo de sorpresas.

Crónica del Festival de Sitges: Día 01

EL CUERPO NO CONVENCE, NAMELESS GANGSTER CINE DE MAFIAS RUTINARIO, TAKASHI MIIKE CON FOR LOVE'S SAKE ES UN VALOR SEGURO Y RAÚL RUIZ SE DESPIDE HACIENDO CINE DESDE EL UNIVERSO DEL TIEMPO.

Sitges ha empezado y el festival será largo, 10 días de mucho cine con películas de todo tipo. Estas son las pequeñas críticas del día de hoy.

El Cuerpo (Oriol Paulo) 2012

Los cuatro policías de El Cuerpo. En la película,

intencionadamente, el anacronismo manda.

Hay un problema de base cuando aquello a lo que aspira una película española es el imitar el cine comercial estadounidense. Desde un inicio está condenada a ser como mucho un reflejo y no una realidad. Se ven las influencias del cine de Fincher y esa marca del thriller español contemporáneo tan asociada a las producciones de Rodar y Rodar (la compañía productora). Es evidente, e interesante, esa relación con Una Pura Formalidad de Tornatore, pero esas ansias por parecer hollywoodiense ahoga la propuesta. La morgue, la mansión, el loft desproporcionado donde vive la estudiante... es un ejemplo de lo incoherente de localizar la historia en España y que tengamos que creernos lo que pasa. No podemos estar en Madrid o Barcelona y ver interiores de Nueva York. El reparto es correcto, aunque Coronado por mucho peinado que le cambien no deja de ser Coronado en todos sus papeles, y Hugo Silva sale a flote de su personaje. Pero como sucedía en No Habrá Paz Para Los Malvados hay una voluntad por sobreescribir los diálogos donde se ven las costuras de la construcción, el tono "verosímil" y "realista" de las conversaciones son muy evidentes y a mí no me convencen. Todos estos defectos en una película de Hollywood ni los plantearía, sabría que la película es lo que es, pero tratándose de una imitación es en los detalles donde se sostiene el producto. Bien realizada, entretiene, el suspense aguanta, pero hay que permitir mucho para que la satisfacción llegue.

Nameless Gangster (Yun Jon-Bin) 2012

Ambientación y actores, lo mejor de la película.

Cine de mafias con el interés que el protagonista está vinculado al mundo político y es el nexo entre los gangsters y las personalidades burocráticas. Un principio interesante con la ironía como arma para hacer avanzar la historia, una reconstrucción de los ochenta y noventa creíbles, pero la película poco a poco pierde fuelle y no sabemos cuales son los motores que hacen, sobretodo, que el director nos esté contando esta historia. Da la sensación de rutinaria, de conocer el manual y aplicarlo y como espectadores no sentimos en ningún momento, ya no emoción, sino curiosidad por el siguiente plano o secuencia. En ningún momento nada molesta, nada sobra, pero tampoco se le añade ese algo, aunque sea mínimo, que nos diga porqué deberíamos llegar hasta el final. Todo el griterío al que nos tiene acostumbrado el cine coreano, muchos golpes, la violencia -esta vez- moderada, y un buen elenco de actores. Nada bueno, nada malo, sino todo lo contrario.

For Love's Sake (Takashi Miike) 2012

Todo por amor y odio.

Miike no falla. Se ha convertido en uno de los directores más sólidos del panorama contemporáneo. Incluso haciendo este musical adolescente de amores exagerados su impronta supera la expectativas. El film arranca inmejorable, con fuerza, kitsch, un entendimiento del anime y el manga adaptado al live action (cine con actores) de forma brillante, divertida y fresca. Puede parecer (y es) que los tics de Miike por estirar y dilatar afecten a la película, las peleas entre pandilleros se adueñan de la segunda parte del film y da la sensación que estamos viendo otra película, más acorde con el cine de acción y samuráis de Miike, pero sin darnos cuenta llegamos al tercer acto y la inmensidad del talento del director nos adentra en un diálogo entre tragedias y símbolos que hacen del clímax -de lo mejor de cine adolescente hecho nunca- un momento extraordinario, único, y todo lo visto se transforma y saboreamos cada detalle desde el principio hasta al final.

La Noche de Enfrente (Raúl Ruiz) 2012

La oficina contiene algunos de los momentos más brillantes del film.

Película profundamente sentida en lengua castellana es la obra póstuma del gran Raúl Ruiz. Film muy personal que transita lo onírico con lo memorístico. Nos situamos en lugares tiempo donde todo tiene el valor de la mente del protagonista anciano. Si es un recuerdo de él en su niñez no es un recuerdo real, es un acto imaginado, evocado, y el niño habla y siente como un anciano.  Fascina como Ruiz consigue en algunos momentos plasmar la imaginación más íntima de una persona, la que todos tenemos. También hay que decir que la película no es perfecta, y tampoco debe serlo, es tan libre en todos los sentidos que tiene medio pie en lo ridículo y otro medio en lo trascendente. Es pura sinceridad, y puesto que no estamos en nuestro mundo, sino en el de Ruiz, aceptamos cualquier cosa, y guste más o menos dejamos que la película sea como es sin juzgarla, y nos quedamos con aquello con lo que conectamos dejando pasar aquellas partes que menos puedan convencernos. Un último adiós de un maestro del cine que se ha ido regalándonos maravillosas películas y una forma humilde, libre y sincera de contar historias, ideas... películas.

Mañana hablaremos de Holy Motors, de lo último de Coscarelli y Compliance, una de las sensaciones de Sundance.

20 propuestas para el Festival de Sitges: Parte 02

En el artículo anterior empezábamos con las diez primeras películas de esta lista de veinte del cine que podremos ver en el Festival de Sitges. Sin más dilaciones pongámonos manos a la obra.

The Lords of Salem (Rob Zombie) 2012

Las brujas vuelven a Salem y lo hace

con la marca de Rob Zombie.

Tras la decepción y caída de interés de las dos partes de Halloween Rob Zombie vuelve con lo que él dice, y todos deseamos, como su trabajo más personal. Oscura, brutal, y llena de pasión por el cine de terror. Rob Zombie demostró ser algo más que un simple director de género con la Casa de los 1000 Cadáveres y Los Renegados del Diablo. The Lords of Salem promete ser el gran retorno en una de las películas más esperadas del Festival. La expectación es máxima, y sabemos que Zombie puede estar a la altura.

Safety Not Guaranteed (Colin Trevorrow) 2011

Cine pequeño con grandes aspiraciones, cine desde la emoción.

Una de las sorpresas del pasado Sundance y una de las películas más queridas del año por la crítica estadounidense. Una idea acompaña al film, el de ser cine pequeño que supera a los grandes blockbusters. Se dice que su sentido emotivo recuerda a los grandes títulos de los ochenta que tanto adolescente latente (de treinta/cuarenta años) sigue teniendo en su corazón. Comedia romántica enmarcada en una historia de viajes en el tiempo. Allí estaremos con ilusión esperando a que nos emocionen.

Side By Side (Christopher Kenneally) 2012

Si lo dice Scorsese seguro que es cierto.

Documental de corte comercial producido por Keanu Reeves sobre la transición del celuloide al digital en el mundo del cine. Los nombres más relevantes del blockbuster yankie hablando de sus experiencias y sugerencias. Cameron, Soderbergh, Scorsese, Rodríguez, Fincher y Lynch, nada que nos vaya a cambiar la vida pero como entretenimiento documental la fiesta está servida. Y una nueva excusa para ver quién dice el qué y quién prefiere el qué. Tras un largo día (o semana de proyecciones) una película así puede ser el mejor de los bálsamos.

The Wall (Julian Roman Polsler) 2012

Una incógnita. Habrá que esperar y ver si esta mujer

con su perro son capaces de llenar una película.

Drama con toques fantásticos para paladares pacientes. Minimalista y con una cadencia lenta la cinta alemana se llevó el premio ecunémico de la crítica en el pasado festival de Berlín de la sección Panorama. A la espera de ver si es una postura cinematográfica o si realmente tiene la suficiente fuerza para atraparnos. Una mujer encerrada dentro de una cárcel invisible en lo alto de la montaña, con la única compañía de un perro. O todo o nada, estas películas no pueden quedarse a medias tintas.

Caterpillar (Kôji Wakamatsu) 2012

Exsoldado sin brazos ni piernas, relaciones sexuales, Wakamatsu

detrás de la cámara... habrá que ir preparando el omeprazol.

El director de Violated Angels y Violent Virgin vuelve a la carga. Cine de extremos, de violencia y sexo que lleva al espectador hasta el límite. Algunos de sus clásicos siguen siendo perturbadores y en el pasado Berlín el público y la crítica no quedó impune de las garras de Wakamatsu. Unos admiran lo crudo y directo de sus planteamientos, otros lo rechazan sistemáticamente. Dividir en blanco y negro es una capacidad que no todo el mundo tiene, y yo tengo curiosidad en cual de los dos bandos estaré.

Mekong Hotel (Apichatpong Weerasethakul) 2012

Una mujer interpretando a una vampiro en medio de un rodaje y el río

Mekong al fondo. Solo falta el movimiento y el tiempo en la imagen.

Considerado como documental lo último de Weerasethakul es la reconstrucción de un rodaje de una película de vampiros en un hotel a la orilla del río Mekong. Mediometraje de 57 minutos. El deber nos llama, un nuevo film de Weerasethakul es una prioridad para todo amante del cine. Uno de los pocos directores que sigue aportando nuevas vías a la narrativa cinematográfica creando alguno de los momentos más mágicos de los historia del cine. Una cita obligatoria.

Seven Psychopaths (Martin McDonagh) 2012

Estrellas de Hollywood robando perros en

una comedia "delirante". Habrá que verlo.

Segunda película del director de En Brujas, esa película que entusiasmó a muchos y a otros, me incluyo, simplemente gustó (que también ya es mucho). El film era una versión para todos los públicos de El Montaplatos de Harold Pinter que mezclaba diálogos trascendentes, el absurdo y el cine negro. Parece que la pretensión existencial se rebaja un poco en esta Seven Psychopaths, en cambio encontramos un tono más cercano a las comedias alocadas de los hermanos Coen. Agradecida para públicos de festivales este tipo de películas suele ser oxígeno tras un día de películas fallidas (esas películas que abundan en todos los festivales) y que acaban por agotar nuestras energías. Cargaremos baterías, esperemos, con una buena comedia.

The Wolf Children Ame and Yuki (Mamoru Hosoda) 2012

Realismo y fantasía, el mundo adulto y el de los niños, tradición

contra lo contemporáneo. El cine de Hosoda.

Tras las celebradas La Chica Que Saltaba A Través del Tiempo y Summer Wars, el director de cine de animación japonés Mamoru Hosoda se ha ganado un lugar donde cualquier estreno suyo es una gran noticia. Parece que después de la muerte del gran Satoshi Kon (insustituible), Hosoda ha llenado parte del hueco que ha dejado su cine. Aunque menos profundas y menos oscuras, las películas de Hosoda son un ejemplo de altísima calidad narrativa, logrando el éxito en la mezcla de géneros y en la combinación entre tradición y modernidad. Perderse esta historia infantil de dos hermanos que son hombres lobo podría ser un gran error en la selección de la programación de Sitges. El cine de Hosoda está lleno de emociones, y uno acaba entusiasmado al verlo.

Outrage Beyond (Takeshi Kitano) 2012

En el cine de yakuzas no hay nada que reprocharle a este señor.

Segunda parte del espléndido film de yakuzas de Kitano. Algunos se quejan que es más de lo mismo, y otros tan solo asumen que no hay cambios de un film a otro. Para un servidor encantado que todo siga igual. Cine artesano y de impecable factura, a medio camino de los esquemas de Jean-Pierre Melville y la pentalogía de triadas yakuza de Fukasaku The Yakuza Papers (Batallas Sin Honor Ni Humanidad). Cine para amantes del género donde el humor, la violencia, el griterío japonés y la siempre más que bien recibida presencia de Kitano frente a la cámara, colmarán las ansias de aquellos que esperamos exactamente lo que nos ofrecerá la película.

Vous N'avez Encore Rien Vu (Alain Resnais) 2012

Un plantel de grandes actores. Teatro,

cine, representación. Juguemos.

A sus noventa años el director de Hiroshima Mon Amour sigue jugando con el cine. Un cine que desprende juventud y que no quiere darse por vencido a las convenciones. Quizá sea pedante, quizá lleve algunas ideas demasiado lejos para nuestro propio aguante, pero Resnais nos toca dos o tres fibras con cada película suya, a veces todas ellas. A sabiendas de lo mal que le trata la distribución española y que es muy probable que aún tengamos que esperar dos años para ver esta película en salas comerciales, yo no dejaré escapar el tren y me subo a los delirios intelectuales que Resnais quiera darme. Soy todo suyo, y con ganas de pasarlo bien.

Hasta aquí las 20 propuestas. He dejado algunos títulos que podrían ser relevantes fuera de esta lista, como lo es Cosmopolis de Cronenberg, pero saber que su estreno masivo será en breves hace que pierda algo de interés mencionarla aquí. Por otro lado hay algunos títulos del festival de Sundance que me llaman menos la atención por lo que he leído o he visto o me han dicho y donde mis gustos personales interfieren en mi decisión, aunque para otras personas son películas importantes a destacar este año, como son Beasts Of The Southern Wild, Compliance o Blue Bird. Por otro lado no soy muy dado a apreciar el nuevo fantástico o cine negro nacional, pero títulos como El Cuerpo, Lo Imposible, El Bosc o Animals harán su acto de presencia para dar bombo y platillo a su próximo estreno en salas. Finalmente no tengo gran interés sobre el cine que puedan hacer los hijos de Cronenberg o Lynch, viendo, o escuchando, que sus estilos no dejan de ser una versión descafeinada del cine de sus padres. Los dos films de stop-motion los veré con mucho gusto, Paranorman y Frankenweenie (aunque de Tim Burton hace mucho que no veo nada que pueda decir que es bueno), pero una vez más sus pases en Sitges son plataformas publicitarias y son dos enormes blockbusters que no necesitan que se diga nada de ellos. Finalmente he descartado de la lista Headshot de Pen-Ek Ratanaruang por nunca haber disfrutado plenamente de ninguna de sus películas, y empiezo a tener la impresión que es difícil que suceda, aunque eso no implica que no vaya a ver su película con muchas ganas esperando que surja la sorpresa.

Un año más acudimos a la cita.

Espero encontrarme en el festival con aquellos que tengáis la oportunidad de asistir, con la esperanza que las propuestas de estos dos artículos coincidan con las buenas experiencias que tengáis en el festival.